Historia del arte y la naturaleza humana ( Parte 3 )

La obra minimalista  empieza a insinuar un mero carácter instrumental que sirve para activar al espectador.

Sin embargo, la experiencia corporal comenzará a desempeñar un papel más claro en el Arte Óptico y su relación con el movimiento.

Historia del arte y la naturaleza humana

La Pintura minimalista es la aplicación del minimalismo al campo pictórico. Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos, concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose durante los años 1970. Forma parte del Minimal Art, que suele traducirse como Arte minimal.

Historia

Se considera que es una reacción contra las formas pictóricas del expresionismo abstracto. Como influencia del minimalismo en la pintura se cita a Ad Reinhardt y sus «pinturas negras», realizadas al final de su vida. Igualmente, se cita como precedente la tendencia Color-field painting, dentro del expresionismo abstracto.

Estas obras reduccionistas estaban en claro contraste con las pinturas «mínimas» pero llenas de energía de un Willem de Kooning o Franz Kline y tendían más hacia la pintura de los campos de color de Barnett Newman y Mark Rothko. También se ha apreciado la influencia del constructivismo en esta tendencia.

Ad Reinhardt “Black Paintings”

Los pintores minimalistas recibieron, además, las influencias del compositor John Cage, el poeta William Carlos Williams, y del arquitecto Frederick Law Olmsted. De manera explícita afirmaron que su arte no era una expresión de sí mismos, en completa oposición a los expresionistas abstractos de la década precedente.

Muy pronto crearon un estilo minimalista, entre cuyos rasgos estaban: formas rectangulares y cúbicas, que no eran metáfora de nada; igualdad de las partes del cuadro, repetición, superficies neutras, materiales industriales, todo lo cual lleva a un impacto visual inmediato.

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Grat Lawn – Central Park – N.Y. (Diseño: Olmsted y Vaux)

Suelen realizar telas de gran formato en los que predomina, ante todo, el color.

El primer pintor a quien se relaciona específicamente con el minimalismo fue Frank Stella, cuyas pinturas a rayas fueron destacadas en la exposición de 1959, «16 Americans» (Dieciséis americanos), organizada por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La anchura de las rayas en las pinturas de Stellas quedaban determinadas por las dimensiones de la madera usada para construir el marco que sujetaba al lienzo.

En el catálogo de la exposición, Carl Andre señaló que «el arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha entendido necesario pintar rayas. No hay nada más en esta pintura». Aunque a partir de esta exposición, Stella recibió una atención inmediata, artistas como Ralph Humphrey y Robert Ryman habían comenzado a explorar formatos monocromáticos a finales de los años 1950.

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Frank Stella

Posteriormente, en los años ochenta, se produjo una renovación de la pintura minimalista con las tendencias Neo-geo y Neo-minimal.

Pintores

Pintores relacionados con el minimalismo pictórico son:

Joe Baer

Darby Bannard

Thomas Deyle

Helen Frankenthaler, representante de la segunda generación de la pintura de los campos de color, enmarcada en la Abstracción postpictórica.

Peter Haley

Donald Judd, conocido principalmente como escultor, también realizó cuadros minimalistas.

Ellsworth Kelly, que se distingue por sus cuadros hard edge, esto es, pintura de borde duro o de perfil limpio.

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Ellsworth Kelly

Peter Laly

Sol LeWitt, también escultor

Morris Louis, representante de la segunda generación de la pintura de los campos de color, enmarcada en la Abstracción postpictórica.

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Brice Marden

Agnès Martin, canadiense.

Robert Mangold

Robert Morris

Barnett Newman, miembro de la Escuela de Nueva York, y pionero de la colorfield painting (pintura de los campos de color).

Kenneth Noland, representante de la segunda generación de la pintura de los campos de color, enmarcada en la Abstracción postpictórica.

Kenneth Noland

Jules Olitski

Hernández Pijuan

Robert Ryman

Frank Stella, miembro de la Escuela de Nueva York; desarrolló el shaped canvas, esto es, el lienzo dado forma, traduciéndose la expresión, a veces, como «tela modelada».

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Larry Zox

LA PINTURA BARROCA

El Barroco fue un periodo de la historia de la cultura occidental que produjo obras en el campo de la literatura, la escultura, la pintura, la arquitectura, la danza y la música, y que abarca desde el año 1600 hasta el año 1750 aproximadamente.

Se suele situar entre el Renacimiento y el Neoclásico, en una época en la cual la influyente Iglesia Católica europea tuvo que reaccionar contra muchos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y una religión disidente dentro del propio catolicismo dominante: la Reforma protestante.

Como estilo artístico el barroco surgió a principios del siglo XVII y de Italia se irradió hacia la mayor parte de Europa. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX) el término barroco tuvo un sentido peyorativo, con el significado de recargado, desmesurado e irracional, hasta que posteriormente fue revalorizado a fines de siglo XIX por Jacob Burckhardt y luego por Benedetto Croce y Eugenio d'Ors.

La pintura barroca europea, como la arquitectura, se divide en escuelas nacionales con características particulares, pero con rasgos comunes:

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Primacía del color

Las formas son definidas por manchas de color y de luz, no por la línea ni por el dibujo.

Importancia del estudio y captación de la luz

Las formas dependen de la luz, sin ella se esfuman o desaparecen. En el Renacimiento, la función de la luz era que las formas se vieran plenamente; en cambio en el Barroco, los cuadros no se iluminan de manera uniforme. Cada pintor hará uso de esa luz según sus características.

Dominio de la tercera dimensión

Por medio de la perspectiva lineal, la cual se estaba desarrollando desde el Quattrocento, y sobre todo por el avance de la perspectiva aérea.

 Otras técnicas serán: utilización del escorzo (las figuras en primer término contrastan con la lejanía del horizonte), uso de primeros términos oscuros para que la luz que existe en zonas interiores parezca estar realmente más allá, y en especial, el dominio del difuminado, del claroscuro y de la mezcla en la paleta para captarlos tal y como los capta el ojo humano son importantes.

Composición abierta, asimétrica, movida y atectónica

Sobre todo sobre la base de diagonales, escorzos y líneas en cruz-aspa. Los esquemas circulares, triangulares, piramidales, serenos y equilibrados del Renacimiento desaparecen.

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GEORGE DE LA TOUR - MÚSICOS PELEANDO

Tendencia al realismo

Que incluso muestra gusto por lo más crudo de la vida humana (vejez, deformidad, cadáveres en putrefacción). Aparece la naturaleza muerta como protagonista (platos con alimentos, bodegones, frutos) y también el paisaje se convierte en protagonista.

VAN DYCK - AUTORRETRATO
VAN DYCK - AUTORRETRATO

En los países protestantes esta característica se manifiesta como interés por la realidad cotidiana, mientras que en los católicos (la Contrarreforma), supone interpretar en tono popular y de la vida diaria los temas religiosos; se busca acercar la religión a la sensibilidad popular, de manera que la gente del pueblo se pueda reconocer.

RUBENS - VENUS Y ADONIS
RUBENS - VENUS Y ADONIS

Esta vertiente realista se alternará con otra, fastuosa, opulenta, teatral, representada por pintores como Rubens, y sobre todo por los “pintores decoradores”.

Historia del arte y la naturaleza humana ( Parte 1 )

Historia del arte y la naturaleza humana ( Parte 2 )


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