Metodología de la investigación literaria

Metodología de la investigación literaria
Para poder aprender algo valioso en este espacio, nos basaremos en la teoría dada por la cátedra acerca de literatura comparada.

" La literatura comparada es un campo de investigación, el de las relaciones entre distintas nacionalidades, y el estudio de los préstamos, imitaciones y adaptaciones internacionales.

Reconocer la incidencia de tales relaciones en el desarrollo nacional es de vital importancia, tanto social como literaria.

La atención a las relaciones literarias es la consecuencia del estudio de las literaturas como fenómenos nacionales: viene, en primer lugar, la historia de cada literatura; después, las relaciones históricas entre literaturas; éstas, a su vez, conducen naturalmente a la síntesis de la literatura como unidad.

La premisa operativa del estudioso de la literatura comparada hoy es que la literatura constituye un medio integral y distinto de pensamiento...

Una expresión institucional común de la humanidad, diferenciada, ciertamente, por las condiciones sociales del individuo; por las influencias, restricciones y oportunidades raciales, históricas, culturales y lingüísticas, pero que independientemente del tiempo o del aspecto, está alentada por las necesidades y aspiraciones comunes del hombre:

Nace y surge de facultades comunes, tanto psicológicas como fisiológicas, y obedece a leyes comunes de materia y modo de la humanidad individual y social.

Todo discurso forma parte de una historia de discursos: todo discurso es la continuación de discursos anteriores, la cita explicita o implícita textos previos.

La intertextualidad, junto con la coherencia, la decuación, la intencionalidad comunicativa, es requisito indispensable del fundamento discursivo.

El carácter citativo del discurso es manifestación de uno de los rasgos fundamentales de los sistemas semiológicos: la posibilidad necesaria de que un signo pueda repetirse, la iterabilidad. Posibilidad necesaria: constitutiva de su ser signo. Un signo para serlo debe ser iterable.

El discurso, analiza, explota, tergiversa, remeda, cuestiona, exacerba los modos de ser del discurso que llamamos " normal". La intertextualidad es puesta e evidencia como tema de la escritura.

El estudio de la intertextualidad literaria se centra en el análisis de obras particulares; tal análisis permite hacer explicitas ciertas operaciones de la recepción textual por medio de las cuales el lector discrimina o puede discriminar las referencias de un texto a otros, atendiendo a las formas de la deixis intertextual.

La citación es un mecanismo indispensable para el funcionamiento discursivo. No hay discurso que carezca de alguna dimensión intertextual: en todo texto hay otro texto.

La incorporación de otros textos literarios en el texto presente puede aparecer como no premeditada, o mostrar diversas pre meditaciones: plagio, homenaje, parodia, sátira.

Transfusión perpetua: la intertextualidad interior incluye no solo textos literarios, sino los sistemas descriptos, mitos, lugares comunes que forman parte de nuestra competencia lingüística y que son presupuesto por palabras, expresiones y tropos literarios.

Otra proliferación es la critica que reconstruye, manipula, cita y re- cita el texto literario para poner el texto estudiado en relación con otros y con su comentario.

Teorías lingüísticas y semiológicas: han ido detrás de la lingüística en busca de métodos científicos para después aplicarlos. Son herederas del formalismo ruso, la estilística y new criticism y estructuralismo, quisieron establecer diferentes premisas entre el lenguaje ordinario y el artístico.

Con el estructuralismo se confluyó en distintas corrientes, lo que originó la renovación de la critica lingüístico-formalista en forma de semiótica literaria, pragmáticas y poéticas lingüístico-textuales.

La poética lingüístico-textual está en estrecha relación con la lingüística de texto-cultivada. La base de trabajo es: la expresión lingüística (el texto) y la realidad expresada por ella.

La neorretórica es la enumeración, descripción y calificación de figuras. Renace como ciencia y arte de persuasión o como propuesta programática general-textual.

La semiótica se define como la ciencia general de los signos. Saussure y Peirce propusieron una teoría general de los signos: la semiologia y semítica. Se concibe al texto literario como signo, el signo literario es un ente lingüístico que remite una "cosa".

Hamlet
El rey de Dinamarca (padre de Hamlet) ha muerto, y, en su lugar, sube al trono su hermano Claudio, éste se casa con Gertrudis. Hamlet se entera por el Espectro de que su padre ha sido asesinado por su hermano Claudio, ya que se quería quedar con el trono, le ha puesto veneno en la oreja.

El Espectro le encarga a Hamlet que se vengue sin hacer daño a Gertrudis. Hamlet se compincha con dos guardias (Bernardo y Marcelo) y con su gran amigo Horacio para trazar un plan: se va a hacer el loco. El plan incluye repudiar a Ofelia de la cual esta enamorado.

Hamlet escribe una obra de teatro llamada La Ratonera en la cual relata la historia del asesinato de su padre, esta obra es representada en palacio por un grupo de actores, el rey al contemplar el asesinato de su hermano representado en palacio se enfada.

Hamlet echa en cara a su madre haberse casado con Claudio, traicionando asi a su padre. Mientras hablan Hamlet nota un bulto detrás de una de las cortinas de la habitación, se da cuenta que detrás de la cortina esta escondido escuchando Polonio. Hamlet mata a Polonio.

Claudio todavía más furioso manda a Hamlet a Inglaterra y da orden de que lo maten. Pero Hamlet, prepara la muerte de los agentes del rey (Rosencrantz y Guildenstern) encargados de matarle.

Durante el viaje de Hamlet, Ofelia se vuelve loca ya que su padre ha muerto y porque Hamlet, su amado, la ha abandonado. Como esta loca, se suicida ahogándose en un río. Laertes decide vengar la muerte de su hermana y de su padre (Polonio) y se encuentra con Hamlet, que ya ha vuelto de Inglaterra, en la tumba de Ofelia.


Bodas de sangre
Se basa en la vida de dos familias, la vida de las cuales esta llena de desgracias. Por una parte esta el novio y la madre, que ha perdido a su marido y a uno de sus hijos por culpa de la otra familia; los Félix.

Ésta otra, tampoco goza de muchas felicidades porque Leonardo aun esta enamorado de la novia, una joven con la estuvo saliendo durante tres años y que aun estar casado y con un hijo, no a podido olvidar.

El argumento principal de la obra es el futuro matrimonio que unirá al novio con la novia.

Pero la tragedia esta presente e impedirá que este matrimonio llegue a ningún sitio. La novia, que guardaba su amor por Leonardo en el olvido, vuelve a despertar cuando ve a Leonardo el día de su boda.

Finalmente el novio y la novia se casan pero al poco rato, la novia y Leonardo se escapan juntos para hacer realidad su sueño de estar juntos.

El novio los persigue por el bosque hasta que los encuentra y entonces, en una lucha entre Leonardo y el novio, los dos terminan muriendo. La novia, que siente que ya no tiene motivo por el que vivir, visita a la madre, no para pedirle perdón sino para que le quite la vida a ella también.

La madre, por su parte, no es capaz ni de tocarla, aunque le gustaría hacerlo hasta acabar con ella, no tiene que acaba de fuerzas para hacer nada, ya perder a lo único que le quedaba; su hijo.

Con esta obra, Lorca consigue hacer de ella uno de sus mejores trabajos a base de la tragedia, ya que todos los protagonistas mueren o viven sin motivo, guardando sus penas en su interior.

LA GENERACIÓN DEL 27.
Si algún grupo de autores merece el nombre de Generación, sin duda es éste. Pese a las precauciones que hay que tener, podemos considerarlos como grupo compacto, si bien con variedades muy notorias dentro de ellos (lo cual es lógico).

El grupo lo forman Pedro Salinas, Jorge Guillén, Gerardo Diego, Dámaso Alonso, Federico García Lorca, Luis Cernuda y Rafael Alberti. Algunos críticos incluyen también a los malagueños Emilio Prados y Manuel Altolaguirre.

Estos diez son los que se citan con mayor frecuencia, si bien ello deja fuera de lugar a muchos otros (Hinojosa, Garfias, Chabás...) que, por distintas razones, han quedado relegados a un segundo término. Estrictamente estamos ante un grupo generacional (el nombre "grupo del 27" ha sido muy usado por la crítica (G. de Torre,
D.Alonso, Rozas); también se les ha dado otros menos afortunados: del 25 (Cernuda, J.L.Cano), de la Dictadura (Max Aub), Vanguardista (Rozas), de la República, de Guillén-Lorca...).

*Todos nacen en un período menor a 15 años: desde 1891 (Salinas) a 1905 (Altolaguirre).
*Formación intelectual semejante: la mayoría son universitarios, algunos llegan a ser profesores (Salinas, Guillén, Alonso...). Casi todos pasaron por la Residencia de Estudiantes.

*El acontecimiento generacional que les une (aunque muchos ya estaban unidos) fue la celebración del tricentenario de la muerte de Góngora, con unos actos de reivindicación del poeta cordobés (cuya obra "difícil" aún no había sido re descubierta). Se oponen a los que no reconocían el talento de Góngora (actos contra la Academia).

Celebran un homenaje en el ateneo sevillano, invitados por Ignacio Sánchez Mejías. Colaboran en las mismas revistas (Revista de Occidente, Litoral). De 1920 a 1936 sus vidas están muy unidas.

*No hubo caudillo (algunos hablan de Juan Ramón, pero no parece claro, pese a su gran influencia).
*No se alzan contra nada (son muy respetuosos con la tradición literaria española; de hecho, este dato impide que cuaje el nombre de "Generación vanguardista", ya que son tan vanguardistas como tradicionales (J.M.Rozas).

*No existe un único estilo; eso sí, en todos se ve el deseo de renovar el lenguaje poético y a veces coinciden en su trayectoria, aunque cada uno mantiene un estilo muy personal (afortunadamente). Para todos la poesía es algo muy serio, que hay que trabajar bien, buscando siempre la perfección formal y conceptual.

Por eso Góngora es el modelo común. Debicki señala que todos hacen de lo poético una idea vital. Además, rastrea una serie de contactos entre ellos:
* Interés por el empleo más adecuado de la forma y de la lengua.
* Desdén por el sentimentalismo y la retórica.
* Rechazo de cualquier léxico particular como válido en sí.
* Igualdad en el concepto de poesía como misterio.
Dámaso Alonso destaca otros puntos de conexión: "coetaneidad, compañerismo, reacción similar ante excitantes externos". Es firme defensor de la existencia de la generación. En cuanto a las características de la generación, habla de dos fases:
*  Hasta 1927: Triple influencia:
*  Del ultraísmo: ligar elementos distantes; ennoblecimiento del humor.
*  Del Cubismo: asimilan la técnica, el odio a la anécdota y a lo sentimental.


RENACIMIENTO
El Renacimiento es el movimiento cultural que surge en Europa el siglo XIV, y que se muestra como característica esencial su admiración por la antigüedad grecorromana y especialmente por su arte.

Con el Renacimiento, el hombre centra toda su actividad, en el hombre como tal, es decir después del aletargamiento medieval el hombre piensa ahora con una libertad de espíritu, que le conducirá a la libertad de pensamiento, el culto a la vida y el amor a la naturaleza son otros aspectos importantes, además el Renacimiento estableció como fuentes de inspiración el equilibrio y la serenidad.

Pero lo más característico de esta época es la separación entre lo cívico y lo religioso.
Se puede decir que el Renacimiento se caracteriza por:

·        Nuevo concepto de la vida y del hombre: El hombre medieval aceptaba el teocentrismo, mientras que el renacentista se declara totalmente antropocentrista, recatando la máxima griega de "El hombre es la medida de todas las cosas".

·         Crisis religiosa: La iglesia se había apartado de la doctrina evangélica y ha de reformar tanto sus contenidos ideológicos como su organización.


·        Nace el humanismo: El hombre y sus creaciones pasaron a ser el centro. Con ello se produjo un cambio importante en el modo de pensar, de vivir y de ver el mundo.

El ser humano se revaloriza: se destaca su inteligencia, su creación artística, su libertad, inspirada en la civilización clásica, el mundo adquiere una fisonomía distinta y todo tiende a humanizarse.

·        Cambio del ideal político: Desaparecen los señoríos feudales y surge la monarquía centralista y autoritaria.

EL TEATRO INGLES DEL RENACIMIENTO.
El teatro medieval y el teatro clásico se funden en una figura excepcional: Guillermo Shakespeare.

El público heterogéneo y numeroso, buscaba en la escena ante toda acción, movimiento, pasiones fuertes, emociones violentas.

El drama inglés del renacimiento no respeta ninguna clase de normas, mezcla lo trágico y lo cómico, lo solemne con lo grotesco, la prosa y el verso.

En la variedad creadora de Shakespeare se pueden diferenciar varias etapas de escritor: Primera etapa formada por comedias y piezas ligeras como: "El sueño de una noche de verano", "Noche de Epifanía", etc.

Segunda etapa aparece dominada por temas históricos y amorosos: "Julio Cesar", "El mercader de Venecia", "Enrique IV", "Ricardo III", "Romeo y Julieta"etc.

Tercera etapa se señala como de plenitud y madurez, en ella aparecen tragedias más profundas y sobrias de su genio creador: "Hamlet" , "Otelo" "Macbeth" etc.

La cumbre de su arte lo constituyen las tragedias en las que crea unos personajes que son los más humanos de todo el teatro universal.

Shakespeare sabe reflejar como nadie los aspectos positivos y negativos de la persona humana.


El héroe se puede definir como un arquetipo de excelencia, el cual se converge en un modelo de la colectividad que lo honra con su culto; ya que el personaje muestra sus esfuerzos y sufrimientos para superarse durante sus hazañas.

Los héroes se van a caracterizar por haber recibido un culto público. Para los griegos los héroes tenían un sentido de semidiós, la palabra "héroe" se deriva de el término "héros", que determina a un personaje singular; tanto física como moralmente superior a los hombres.

En general, la palabra "héroe" determine en aquellos difuntos que en vida se destacaron por su gran sentido de excelencia, es decir, areté. El sentido de la excelencia que habita en los héroes se conoce como areté, elemento que no puede faltar en la conformación de un héroe.

"El coraje vencido por la fatalidad, es, en suma, toda la tragedia de la vida humana encarnada por el héroe griego"1.

Los héroes se distinguen por sus acciones extraordinarias, también por su grandiosa manera de ver la vida como una aventura o un desafío a mejorar el mundo que los rodea. En la literatura española, por ejemplo, el héroe épico es más humano que el caballeresco, porque el héroe de la novela de caballería esta lleno de ideales y de valores que alejan al héroe del hombre común.

El código de valores son todas aquellas virtudes que el héroe debe manejar para llegar a ser un modelo de conducta para el pueblo que lo rodea. Estos dones pueden ser competitivos los cuales enfrentarse a sus enemigos, satisfacen el "yo" del héroe y su fuerza física.

El otro tipo de virtudes que conforman a el héroe son las cooperativas, en las cuales el héroe demuestra sus sentimientos de bondad, de solidaridad, de amor a el que lo necesita; estos dones enriquecen su espíritu.

Cada héroe compone su código de valores según el tiempo y el espacio en que vive; un héroe como Hamlet no podría tener el mismo código de valores que tiene Leonardo.

Muchas veces los héroes no miden las consecuencias de sus acciones, es aquí donde se origina la transgresión.

Si hay algo más en común con la mayoría de los héroes es que son transgresores, es decir que rompen con las leyes impuestas, llegan a pasar el limite de lo prohibido. Esta transgresión se debe a la búsqueda de los sueños imposibles de alcanzar.

Los héroes dinamizan por completo cada épica o cada novela, el héroe es lo que da vida y movimiento a la obra. En muchas obras, ésta búsqueda sin frenos del equilibrio cósmico lleva al héroe a una muerte trágica, ya sea por suicidio o por asesinato.

También existe un término muy importante en los héroes y es el "ser de corazón puro". Esto consiste en ser la única persona capaz de realizar un hecho en particular.

El hecho de que el héroe sea un ser de corazón puro magnifica su espíritu y aumenta su código de honor. Otros rasgos que caracterizan a héroe son: el duro combate, la inteligencia superior, un asesinato accidental, numerosas pruebas, la muerte involuntaria, el hecho de que su origen no esté claro.


Hamlet: Hijo del difunto rey y sobrino del actual. Este personaje se caracteriza por la justicia. Al enterarse que su padre ha sido asesinado por su tío finge estar loco para vengarse de la terrible traición.

Para este personaje, el mundo está podrido, igual que el rey ,la reina y la corte. Pero la podredumbre que observa no puede ser soslayada como antes de la muerte de su padre; ahora se halla inmerso en ella y debe combatirla. 


Leonardo: El tiránico marido, casado contra su corazón con la prima de la novia, se quema por dentro cuando conoce la cercana boda de su antigua novia. En las noches su caballo le lleva frente a la ventana de la joven.

 Los símbolos.

En Bodas de sangre:
El tema del amor imposible, el amor frustrado y el deseo, es universal. La escena que más le conmovía era aquella donde intervienen La Luna y La muerte como elementos y símbolos de fatalidad.

El realismo que preside hasta ese instante la tragedia se quiebra y desaparece para dar paso a la fantasía poética, donde es natural que yo me encuentre como el pez en el agua.

Este simbolismo LUNA-MUERTE que aparece en el acto Tercero cuadro I después de los leñadores, es reiterado en la poesía de Lorca: luna es sinónimo de muerte, de frío, jugando con elementos asociados a lo sombrío y tétrico: la Luna es el símbolo más empleado por Federico, apareciendo 218 veces en su obra poética y 81 en teatro 2

LA LUNA Y LA MUERTE (1919)

La luna tiene dientes de marfil.
¡Qué vieja y triste asoma!
Están los cauces secos,
los campos sin verdores
y los árboles mustios
sin nidos y sin hojas.
Doña muerte, arrugada,
pasea por sauzales
con su absurdo cortejo
de ilusiones remotas.
¿Va vendiendo colores
de cera y de tormenta
como un hada de cuento
mala y enredadora.
La luna le ha comprado
pinturas a la Muerte .
en esta noche turbia
¡está la luna loca!
Yo mientras tanto pongo
en mi pecho sombrío
una feria sin músicas
con las tiendas de sombra.

En Bodas de sangre la Luna toma la palabra y, ya no aparece como una imprecación en tercera persona, sino que ahora, personificada y con voz propia clama sangre y venganza a la Mendiga, personificación de la muerte.

Lorca usa los colores para crear el tono de un poema o escena en un drama. Por ejemplo el color rojo representa la sangre. El color negro representa la muerte. El color amarillo es un color vivo, de felicidad. El color azul representa el odio y la frialdad.

Un ejemplo está en : La habitación pintada de amarillo es porque es un color vivo de felicidad porque están hablando de la novia y el novio y de la boda. Habitación pintada de rosa con cobres y ramos de flores populares. En el centro, una mesa con mantel. Es la mañana. Suegra de Leonardo con un niño en brazos.

Lo mece. La mujer, en la otra esquina, hace punto de media. La habitación está pintada de color de rosa porque están hablando con un niño y están hablando de algo alegre. La luna representaba la muerte.

La ropa que los personajes es todo negra u otro color muy oscuro. Esto simboliza la pena que llevan, cada uno por distintos motivos.

Acercarse a la literatura renacentista es vislumbrar, desde un primer momento, un problema de género no sólo literario, sino que principalmente, un problema de imagen genérica sexual. Arquetípica, la imagen femenina dentro de los textos renacentistas tiene un rol pasivo en comparación a la exaltación masculina dentro de la literatura épica, por ejemplo.

Para explicarse esta singular transposición genérica, es necesario recurrir a elementos contextuales culturales, al imaginario y a la propias voces de esas mujeres, hermanas antiguas de las que nos rodeamos hoy.

La imagen femenina se vio condicionada por el discurso clerical, es decir, el discurso masculino de quienes detentaban el poder de la palabra, de la cultura y de la tradición. Diabólico por esencia, el género femenino no tuvo oportunidad de reconocerse como un auténtico otro; siempre, y en grados diferentes según regiones y épocas, dependió del universo masculino para justificar su existencia.

El desconocimiento del cuerpo femenino, el miedo que este representaba para ellos -los clérigos- es una de las pruebas más fehacientes de que el universo masculino se fue en cada momento distanciando más, arrogándose la supremacía, el don de ser. La mujer vivía por piedad divina; de milagro.

Viendo los clérigos la fuerza que la imagen de María tenía en el pueblo, celebraron fervorosamente en ella los elementos que la distanciaban de su género.

La virginidad y sagrada maternidad de María permite que permanezca en los cielos, lejana, arquetípica. La plenitud de María es su himen intacto: el acto sagrado de ser madre del espíritu divino. María será la madre de Dios, no la compañera de la mujer. En el trono sentada, María no tiene género. Ella fue madre sin conocer hombre, su sexo estuvo intacto hasta su muerte, según los teólogos.

Los clérigos se encargaron desde un primer momento de distanciarla; María no era mujer, sólo era una madre-virgen. Con la imagen de María, la sexualidad se ve escindida entre las vírgenes y las otras; casadas o viudas. Así, la sexualidad será el eje definitorio de la consideración femenina.

Considerada siempre desde lo externo, ella no fue un otro legitimo, un ser individual, un otro verdaderamente otro.

Clasificada, normada, custodiada, reprimida, la ausencia de sí misma. Ella no se encontró a sí misma, sólo encontró, en la autocontemplación, una imagen difusa, híbrida, contradictoria y fragmentada.

Dividida y tensionada entre lo bajo de su naturaleza y la plenitud de su vientre, la mujer del Renacimiento estuvo ausente; el universo masculino no supo nunca que existió un género que sentía, amaba, y vivía en forma particular y única.

Posterior, Cristina de Pizan (1364-1431) a través de los intertextos traídos desde la tradición, en este caso escrita, la autora da muestras de su capacidad escritural. El Libro de la Ciudad de las Mujeres, se basa, precisamente, en discutir críticamente las opiniones negativas que pensadores, políticos y teólogos ha dado sobre las mujeres
.
La Mujer en la Literatura de habla inglesa      
Una búsqueda renacentista del principio femenino: Cordelia, María Isabel Calderón analiza el King Lear shakespeariano desde su principal protagonista femenina. Señala la distancia existente entre el personaje femenino, encarnación de la Virtud, y la situación histórica, nos muestra el empleo que hizo la cultura renacentista de la doctrina medieval de los cuatro sentidos (literal, alegórico, moral y anagógico).

La caracterización de Cordelia mira hacia el pasado, hacia la alegoría medieval de la vida cristiana, en que la virtud lo es por igual para marido y mujer, en King Lear, para padre e hija, en fin, para hombre y mujer.

En La locura femenina en el teatro de la Restauración, Rafael Vélez señala que "la Inglaterra de los siglos XVI y XVII sentía una inconmensurable fascinación por la locura", distinguiéndose entre "una dolencia pasional y/ o sensual femenina y otra racional y/ o cerebral masculina". La representación de la locura femenina toma cuerpo en las escenas de locura (mad scene) y voz en las canciones de locura (mad songs).

Con las canciones de locura no sólo la literatura, sino también la música añaden una nueva de expresión de unas pasiones que se asocian ineludiblemente al género femenino.

La inclusión de actrices en un escenario tradicionalmente ocupado por hombres, así como la evolución universalizada de la locura como una enfermedad atractiva, generalmente padecida por mujeres, transforma y excede la bipolarización establecida en el Renacimiento.

Con la llegada de la época de la sensibilidad, este trastorno se "feminizó". De esta forma la diferenciación sexista entre una locura genial masculina y otra disfuncional y patológica femenina, se pierde en favor de un convencionalismo estético, en el que la figura de la mujer loca adquiere connotaciones claramente sexuales, constituyéndose en un "icono cultural".

Las mujeres.
 
En Bodas de sangre:

LA NOVIA: La joven indecisa atrapada entre dos hombres espera su casamiento en la casa de su padre. Ella sólo quiere ser feliz con su futuro marido, pero la pasión adormecida florece en el peor momento para llevarla junto a Leonardo, desatando una guerra de celos entre los dos enamorados.

LA MADRE: A la mujer que lo pierde todo, abocada a la soledad tras la pérdida de su familia, sólo le queda esperar su propia muerte y velar por sus difuntos allá en su casa de piedra.
En Hamlet:

GERTRUDIS: Madre de Hamlet, es la reina de Dinamarca; Era la esposa del hermano de Claudio y cuando éste murió, se casó con Claudio. Representa la infidelidad, es una persona capaz de casarse con cualquiera con tal de conservar su puesto como reina de Dinamarca.

OFELIA: Hija de Polonio, termina volviéndose loca por amor. Es la víctima inocente de la historia. Representa la delicadeza y la bondad, es el punto contrario a Claudio. Esta enamorada de Hamlet.

William Shakespeare: (1564-1616), poeta y autor teatral inglés, considerado uno de los mejores dramaturgos de la literatura universal.

Resulta imposible llevar a cabo una exposición completa y rigurosa de la vida de este famoso autor inglés, pues son muy pocos los datos comprobados que se tienen de él. Se mantiene tradicionalmente que nació el 23 de abril de 1564, estudió en la escuela de su localidad y, como primogénito varón, estaba destinado a suceder a su padre al frente de sus negocios.

Sin embargo, según un testimonio de la época, el joven Shakespeare tuvo que ponerse a trabajar como aprendiz de carnicero, por la difícil situación económica que atravesaba su padre.

Se convirtió en maestro de escuela. Lo que sí parece claro es que debió disfrutar de bastante tiempo libre durante su adolescencia, pues en sus obras aparecen numerosas y eruditas referencias sobre la caza con y sin halcones, algo poco habitual en su época y ambiente social.

En 1582 se casó con Anne Hathaway, hija de un granjero, con la que tuvo una hija, Susanna, en 1583, y dos mellizos.

Se supone que llegó a Londres hacia 1588 y, cuatro años más tarde, ya había logrado un notable éxito como dramaturgo y actor teatral. La reputación actual de Shakespeare se basa, sobre todo, en las 38 obras teatrales de las que se tienen indicios de su participación, bien porque las escribiera, modificara o colaborara en su redacción.

Murió el 23 de abril de 1616 y fue enterrado en la iglesia de Stratford.

Federico García Lorca: (1898-1936) poeta y dramaturgo, ha sido el autor español más representativo de la literatura del pasado siglo XX. Su simbolismo ha influido en toda una generación de autores, merced a la plasticidad de su lenguaje y a su temática universal.

El crítico García Posada cataloga el teatro de García Lorca en cuatro grupos: Las Comedias irrepresentables, donde la prosa se entrelaza al verso; las Farsas o teatro de guiñol; los Dramas a la manera clásica, y por último las Tragedias, donde se encuentra "Bodas de sangre".

Su teatro destaca por la intención didáctica; hombre inteligente y cultivado, enamorado de la literatura y de las masas, trata de conjugar sus las pasiones y contrariamente a lo que pueda parecer a simple vista, el teatro de Lorca, escrito en un lenguaje sumamente elaborado, creando tramas complejas y a veces irrepresentables, está repleto de simbolismos y alegorías empleadas en el lenguaje coloquial.


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